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Dirección: Paddy Breathnach.
País: Irlanda.
Año: 2006.
Duración: 86 min.
Género: Terror.
Interpretación: Lindsey Haun (Tara), Jack Huston (Jake), Max Kasch (Troy), Maya Hazen (Lisa), Alice Greczyn (Holly), Rob Hoffman (Bluto), Don Wycherley (Bernie), Sean McGinley (Ernie).
Guión: Pearse Elliott.
Producción: Paddy McDonald y Robert Walpole.
Música: Dario Marianelli.
Fotografía: Nanu Segal.
Montaje: Dermot Diskin.
Diseño de producción: Mark Geraghty.
Vestuario: Rosie Hackett.
Estreno en España: 14 Septiembre 2007
SINOPSIS
Un grupo de jóvenes americanos viaja a Irlanda para ir de camping a un pequeño bosque aislado en busca de setas alucinógenas. Lo que parecía una idea divertida se convierte en una auténtica pesadilla. Tara (Lindsey Haun), una de las chicas, comienza a tener visiones en las que sus compañeros de viaje van muriendo uno a uno. Sus sueños empiezan a hacerse realidad. Hay algo ahí fuera, algo que les vigila, algo que les matará si no consiguen salir del bosque y encontrar ayuda.
CRITICA:
Con un poco de terror asiático (sombras que caminan frame a frame, glups!) y un mucho de modernismo cool intenta parecerse a tantas cosas que termina siendo un completo desaguisado: dos parejas de yankis y una chica sola que tiene a su churri en Irlanda viajan hasta allí para… comerse setas. Podría acusar a semejante argumento de ser una supina estupidez, pero Eli Roth lo usó en Hostel y funcionaba, porque eso si que me lo creo. ¿Quién no quiere irse a Holanda con los colegas a fumar un poco de grifa buena? Yo conozco a gente que se sube al a por setas, nunca han cogido un avión para semejante gilipollez.
Bueno, el caso es que el nieto de John Huston les explica que hay unas setas debutis, un orfanato maldito, fantasmas y unas setas que no se deben comer jamás: provocan la muerte casi fijo. Si sobrevives a las setas los efectos secundarios son “espectaculares”: capacidad de comunicarse con los muertos (¿), agresividad y fuerza descontroladas, la facultad de cambiar de forma (¿) y por último, pero no menos importante, la capacidad de ver el futuro.
Alguno más habrá, pero seguro que destripa una peli que carece de interés alguno por muy chulo que sea el dossier que nos han regalado en el pase. , se podría decir que es una peli sobre como se ensucia en el bosque una chica rubia. Hay más plagios, pero se convertiría en spoiler si te digo que termina como… tranquilo, es broma.
Primera confirmación del equipo de Barbarella desde que Dino De Laurentiis anunciase que iba a producir una nueva versión del personaje: Robert Rodriguez
El director de Sin City será el encargado de dirigir esta readaptación de la heróina de los cómics, tras la popular versión que en 1968 dirigiese Roger Vadim y protagonizase Jane Fonda.
Lo que no hay de momento son noticias sobre el casting, aunque suponemos que a Fonda se le ofrecerá un cameo en el film. En cuanto al personaje principal, en el pasado sonaron Drew Barrymore o Lindsay Lohan, aunque no creo que ninguna de las dos sea del gusto de Rodriguez (aunque puede que sí de el de los productores).
Los guionistas Neal Purvis y Robert Wade (autores del reciente éxito de James Bond, Casino Royale) están ya escribiendo la historia basándose en la obra de Jean-Claude Forest. El estreno está previsto, recordemos, para el 2008.
Dirección: Danny Pang y Oxide Pang.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 84 min.
Género: Thriller sobrenatural, terror.
Interpretación: Kristen Stewart (Jess Solomon), Dylan McDermott (Roy Solomon), Penelope Ann Miller (Denise Solomon), John Corbett (John Burwell), Evan Turner (Ben), Theodore Turner (Ben), William B. Davis (Colby Price), Brent Briscoe (Plume), Dustin Milligan (Bobby), Jodelle Ferland (Michael).
Guión: Mark Wheaton; basado en un argumento de Todd Farmer.
Producción: Sam Raimi, Rob Tapert, William Sherak y Jason Shuman.
Música: Joseph LoDuca.
Fotografía: David Geddes.
Montaje: John Axelrad y Armen Minasian.
Diseño de producción: Alicia Keywan.
Vestuario: Mary Hyde-Kerr.
Estreno en USA: 2 Febrero 2007.
Estreno en España: 30 Marzo 2007.
SINOPSIS
La familia Solomon abandona la trepidante vida de Chicago por el apartado mundo de una granja en Dakota del Norte. En medio del suave vaivén del campo de girasoles de la granja, Jess (Kristen Stewart), de 16 años, se da cuenta de hasta qué punto el aislamiento puede ser terrorífico cuando ella y su hermano Ben, de 3 años, comienzan a ver siniestras apariciones, invisibles para todos los demás. Cuando estos espectros se tornan violentos, se cuestiona la salud mental de Jess, una amenaza doble para la atormentada joven. Su pasado problemático se topa de frente con el pasado de los que antaño vivieron en la casa, una peligrosa confrontación que deja su credibilidad en duda para aquéllos a los que ella intenta advertir desesperadamente antes de que sea demasiado tarde.
CRÍTICA por Miguel A. Delgado
Que el cine se encuentra ante una encrucijada comparable a lo que supuso la irrupción del sonoro o la televisión, es ya casi un lugar común. En la era del videojuego y los nuevos modos de representación y narración de las historias, es absurdo pretender que el arte cinematográfico no evolucione absorbiendo las novedades que los nuevos medios traen consigo. Llevamos años de tentativas, bastantes de ellas decepcionantes (caso del fiasco de la mediocre "Sky Captain y el mundo del mañana"), pero “300” parece haber hallado la piedra filosofal, el lugar en el que la épica tradicional, la acción y los puntos de vista interactivos propios del videojuego logran confluir para contarnos las mismas historias de siempre (no en vano, en el caso de la batalla de las Termópilas narrada en la película, los antecedentes nos llevan hasta el mismísimo Heródoto) con un envoltorio que les insufla nueva vida.
En realidad, tampoco tendría que extrañarnos: Zack Snyder lo avisó ya con la sobresaliente "Amanecer de los muertos", revitalizando el entrañable género de los zombis, que llevaba camino de mostrar un encefalograma tan plano como el de sus pútridos protagonistas. Y es que el talento visual que demuestra es prodigioso; y por más que el punto de partida, el cómic original, sea sobresaliente, sería injusto negar su punto de autoría para, sin traicionar el espíritu de la obra original (aunque sí retocándola un poco: el Leónidas de la cinta, un carismático Gerard Butler, es bastante más humano que el trazado por Miller), levantar una obra que funciona de forma autónoma. Incluso, ha conseguido que la voz en off suene pertinente, con fuerza, algo de lo que Rodriguez fue incapaz, al convertir el monólogo interior propio de las historias de Miller en un pedante y monótono discurso que lo convertía en una simple caricatura.
Además, Snyder ha conseguido una obra transversal, intergeneracional, que puede ser disfrutada desde el público más adulto al joven adicto a las consolas, y ello es porque todos encontrarán en el relato elementos familiares que, lejos de neutralizarse unos a otros, trabajan al unísono para potenciarse. Poco importa que la historia beba en simplificaciones, que las heroicidades sean elevadas al máximo y las mezquindades del contrario potenciadas hasta el punto de negarles la propia humanidad: estamos ante un relato épico de una hazaña bélica con ansia de perdurar en el tiempo, y en eso las claves no han variado desde el poeta que narraba las gestas de los antepasados al lado de un fuego.
Además, Snyder ha conseguido una obra transversal, intergeneracional, que puede ser disfrutada desde el público más adulto al joven adicto a las consolas, y ello es porque todos encontrarán en el relato elementos familiares que, lejos de neutralizarse unos a otros, trabajan al unísono para potenciarse. Poco importa que la historia beba en simplificaciones, que las heroicidades sean elevadas al máximo y las mezquindades del contrario potenciadas hasta el punto de negarles la propia humanidad: estamos ante un relato épico de una hazaña bélica con ansia de perdurar en el tiempo, y en eso las claves no han variado desde el poeta que narraba las gestas de los antepasados al lado de un fuego.
Por eso, la propia significación de la obra está tan abierta que puede significar una cosa y la contraria; “300” no pretende ser una obra política ni ideológica, es puro y poderoso entretenimiento, y en su metraje se esconden algunas de las imágenes más bellas que hayamos visto en una pantalla en los últimos tiempos. Y si hubiera que escoger sólo una, este crítico se quedaría con la hermosa danza de la oráculo, rodada como si su ejecutante estuviese bajo el agua, con sus ropajes y sus movimientos extraños y fascinantes.
Aún no sabemos el alcance que tendrá “300”; pero algo cambiará a partir de ahora. Y, sobre todo, podremos dormir tranquilos: las nuevas tecnologías, los nuevos medios de expresión, no vienen a terminar con nada. Como siempre ha ocurrido, tras el deslumbramiento de la novedad, viene la asimilación. Y con ella, el enriquecimiento y una promesa de nuevas maravillas que están por venir. Esta película demuestra que el cine está más vivo que nunca.
Dirección: Kepa Sojo.
País: España.
Año: 2006.
Duración: 95 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Alejandro Garrido (Ángel Mari Svensson), José Sancho ('El Camisas'), Adriá Collado (hombre carismático), Lluvia Rojo (Mariloli), Eulalia Ramón (Maruja), Fele Martínez (el pringao de la roulotte), Secun de la Rosa (Rapero Spain), Juan Querol (DJ Txanfer), Nacho Vigalondo (Virgilio), Martxelo Rubio (Demetrio).
Guión: Kepa Sojo, Elena Sojo y Javier Santamarina.
Producción ejecutiva: Kiko Martínez y Rodolfo Montero.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Javier Bilbao.
Montaje: Puy San Martín.
Dirección artística: Uxua Castelló.
Vestuario: Irene Orts.
Estreno en España: 23 Marzo 2007
SINOPSIS
Ángel Mari Svensson tiene un extraño mal y para solucionarlo emprende un viaje en auto-stop a Xàtiva. Emma y Nuria, dos pijas muy monas, se pierden en el barrio chino de Valencia. Los reyes del hip-hop viajan hasta allí para participar en un concurso de sorber flanes sin manos. Mariloli, la churrera insatisfecha, se escapa de su marido, Ruperto, el día de su boda. Maruja, harta de El camisas, su patético esposo, hace lo propio tras treinta años de casada.
Dirección y guión: Manuel Pradal.
Países: Francia, Italia y USA.
Año: 2002.
Duración: 135 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Harvey Keitel (Matt Benson), Andie MacDowell (Jessie), Francesca Neri (Helena Gigli), Stefano Dionisi (Giovanni Gigli), Harry Dean Stanton (Del Piero), Asia Argento (la monja), Mattia de Martino (Ettore Greco), Maurizio Nicolisi (Manzella), Angela Goodwin (madre superiora), Luigi Maria-Buruano (tío de Ettore).
Producción: Jean-François Fonlupt.
Música: Carlo Crivelli.
Fotografía: Maurizio Calvesi.
Montaje: Valerie Deseine.
Diseño de producción: Hugues Tissandier.
Vestuario: Claire Fraïsse.
Estreno en Francia: 29 Enero 2003.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.
SINOPSIS
Matt Benson, un agente del FBI, resulta destacado a la isla de Panarea, en el archipiélago Lípari, dentro de un marco de acuerdo entre los EE.UU. e Italia. Se aloja en una casa confortable y bien protegida, en medio de vastos terrenos circundantes y con una ensenada privada que mira al volcán de Ginostra. Jessie, su esposa, y Tina, su hija de cinco años, están encantadas.
Unos días después de llegar, Matt interroga a Ettore Greco, un niño de once años víctima de la Mafia, acerca de la muerte de toda su familia por el estallido de una bomba en el vehículo en que viajaban. Por razones de seguridad, Matt decide llevarse a Ettore a la casa donde se ha alojado. Esta adopción forzada acaba por evidenciar el trágico secreto que ata a Matt y al niño; un secreto del que Jessie lo ignora todo.
Basculando entre las verdades y las mentiras, la atmósfera en la casa va oprimiendo lentamente a la familia de Benson hasta hacer de su circunstancia un verdadero infierno.
El peligro aguarda fuera. Pero dentro se ha instalado el miedo. Y en medio se halla un niño huérfano...
Dirección: Gillies MacKinnon.
País: Irlanda.
Año: 2005.
Duración: 96 min.
Género: Drama.
Interpretación: Andie MacDowell (Marilyn Vine), Olivia Williams (Ria Lynch), Iain Glen (Danny Lynch), Stephen Rea (Colm), Brenda Fricker (Mona), Jean-Marc Barr (Andy Vine), Ruby Wax (Carlotta), Sarah Bolger (Annie Lynch), Johnny Brennan (Brian Lynch), Heike Makatsch (Bernadette), August Zirner (Greg Vine).
Guión: Cynthia Cidre y Shane Connaughton; basado en la novela de Maeve Binchy.
Producción: Noel Pearson, Miron Blumental y Sarah Radclyffe.
Música: John Keane.
Fotografía: John de Borman.
Montaje: Pia di Ciaula.
Diseño de producción: Derek Wallace.
Vestuario: Lorna Marie Mugan.
Estreno en Irlanda: 7 Octubre 2005.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.
SINOPSIS
Marilyn y Greg, en el día del 15 cumpleaños de su único hijo, presencian un trágico accidente que acaba con su vida. A Greg le destinan como profesor a Hawai durante un semestre y Marilyn opta por no acompañarle, ya que todavía le culpa por el accidente y considera que su matrimonio está acabado.
Ria y Danny comparten su acogedora casa en Tara Road con sus hijos, Brian y Annie. Pero esa imagen de felicidad no es lo que parece. En un momento delicado de la relación Ria sugiere tener otro hijo. A Danny esta situación le perturba hasta el punto de verse obligado a confesar que ya va a tener otro hijo… con otra mujer.
Marilyn, desesperada por escapar de la insoportable pérdida, llama a casa de un agente inmobiliario en Irlanda para ver si conoce a alguien dispuesto a intercambiar su casa durante el verano. Su mujer, Ría, en mitad de la noche y medio dormida contesta al teléfono; intentando enfrentarse a sus problemas, ofrece su casa de Tara Road, lo que Marilyn acepta sin dudar. Terriblemente consciente de su propia necesidad de escapar, Ria acepta la casa de Marilyn en Nueva Inglaterra.
Llegado el momento del intercambio, tanto Marilyn como Ria se enfrentan a gran multitud de personajes de la vida de la otra. Durante los dos siguientes meses aprenden que, a veces, la mejor manera de encontrarse a sí mismo es perderse en la vida de otra persona.
Dirección: Robert Altman.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 95 min.
Género: Comedia dramática, musical.
Interpretación: Kevin Kline (Guy Noir), Woody Harrelson (Dusty), Tommy Lee Jones (el ejecutor), L.Q. Jones (Chuck Akers), Garrison Keillor (GK), Lindsay Lohan (Lola), Meryl Streep (Yolanda), Virginia Madsen (mujer peligrosa), John C. Reilly (Lefty), Maya Rudolf (Molly), Lily Tomlin (Rhonda), Tim Russell (Al).
Guión: Garrison Keillor; basado en un argumento de Garrison Keillor y Ken LaZebnik.
Producción: Robert Altman, Wren Arthur, Joshua Astrachan, David Levy y Tony Judge.
Música: Richard Dworsky.
Fotografía: Edward Lachman.
Montaje: Jacob Craycroft.
Diseño de producción: Dina Goldman.
Vestuario: Catherine Marie Thomas.
Estreno en USA: 9 Junio 2006.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.
SINOPSIS
El director Robert Altman y el guionista Garrison Keillor unen fuerzas junto a un reparto estelar para crear una fábula cómica entre bastidores, "El último show", acerca de un ficticio show de variedades radiofónico que ha logrado sobrevivir a la era de la televisión.
Meryl Streep y Lily Tomlin son protagonistas como las Hermanas Johnson, Yolanda y Rhonda, un dúo de country que ha sobrevive en el circuito ferial del condado, y Lindsay Lohan encarna a Lola, la hija de Meryl, quien tiene su gran ocasión de cantar en el show y en el momento preciso se olvida de las palabras. Kevin Kline es Guy Noir, un detective privado venido a menos que trabaja como guardia de seguridad entre bastidores. Woody Harrelson y John C. Reilly son Dusty y Lefty, los Viejos Vaqueros, una actuación de cowboys cantantes. Añadamos a Virginia Madsen dando vida a una mujer angelical, Tommy Lee Jones, un ejecutor de inversores, Maya Rudolph como tramoyista embarazada, y Keillor en el papel de presentador atemorizado, y tenemos una historia agradable y divertida que transcurre en una lluviosa noche de sábado en St. Paul, Minnesota, donde los fans entran en filas en el Fitzgerald Theater para ver el programa "A Prairie Home Companion" el espacio principal de la emisora radiofónica WLT, ignorantes de que se ha vendido WLT a un conglomerado de empresas y de que el show de esta noche va a ser el último.
CÓMO SE HIZO "300"
Notas de producción © 2006 Warner Bros. Pictures
4. Esto es Esparta
Para ayudar a plasmar en la pantalla este drama épico de acción, Zack Snyder reunió un equipo diverso de colaboradores que incluía al cámara Larry Fong, al diseñador de producción nominado a un Oscar® James Bissell (Buenas noches y buena suerte), al montador William Hoy, al diseñador de vestuario Michael Wilkinson, al supervisor de efectos visuales Chris Watts y a los supervisores de maquillaje y efectos de las criaturas Shaun Smith y Mark Rappaport. Para Bissell, 300 requería un enfoque atrevido del diseño de la producción a causa de la naturaleza virtual de los decorados y su fiel adherencia al estilo visual de la novela gráfica de Miller. “Era más operístico que realista”, reconoce. Usando los storyboards en miniatura de Zack Snyder como punto de partida, Bissell y su equipo crearon ambientes en 3-D e ilustraciones conceptuales de Esparta, los paisajes griegos y las Termópilas, escenario de la épica batalla. Snyder, Bissell y Watts estudiaron cada una de las ilustraciones. Bissell recuerda: “Preguntábamos: ‘¿Los actores tienen que subir la colina? ¿Bajarla? ¿Dónde se proyectan las sombras? ¿Qué parte tenemos que construir?’”.
Los decorados de paisajes se abstraían para poder ser utilizados después en escenas diferentes cambiando los ángulos de cámara o añadiendo elementos. De esta forma, Leónidas y su ejército de trescientos soldados marchaban a través de Grecia usando sólo tres decorados construidos. También se construyeron durante el rodaje algunos decorados para Esparta, las Puertas de Fuego y la tienda de Jerjes. “La escena de los mensajeros persas galopando hacia la cámara es la única que rodamos en exteriores”, dice Bissell.
“Lo genial de Jim es que nunca se sintió intimidado por nada”, dice Snyder maravillado. “Creo que estaba emocionado en muchos aspectos porque sus únicos límites eran los que ponía su propia imaginación”.
Se concibió cada escena con un ambiente en 3D enteramente diseñado, y después se consiguió el color con ilustraciones de fotogramas principales. Cuando estuvieron completas, Bissell pudo evaluar mejor lo que tenía que construir y ajustar a partir de ello.
Chris Watts trabajó estrechamente con Bissell y Snyder para garantizar que los detalles creativos y técnicos ayudasen a la visión global. “Con 1.300 tomas de efectos visuales, no faltan elementos técnicos precisamente”, explica Watts. “Sin embargo, el primer desafío de 300 era creativo: todas las tomas de efectos visuales tienen que reflejar el estilo y la estética de la novela gráfica, pero también deben dejar espacio suficiente para la visión de Zack de las partes de la película que no aparecen en el libro”.
Debido a que casi todos los decorados y localizaciones fueron mejorados con efectos visuales, los departamentos artístico y de efectos visuales tenían que garantizar que los elementos de diseño y técnicos funcionasen bien juntos. Watts da una descripción simplificada del proceso: “Jim diseñó todos los decorados con los efectos visuales en mente. Durante la preproducción, los artistas de VFX aumentaron digitalmente los diseños de los decorados de Jim para darle a Zack una imagen exacta de lo que podía esperar como resultado final. Si había un problema que él no pudiera solucionar con los decorados existentes, ellos diseñaban o retocaban alguna otra cosa para hacer que funcionase”.
Como parte del desarrollo visual de la película, Watts y su equipo probaron prácticamente todo lo que se vería en la película: la apariencia del fuego, las capas espartanas, las heridas, las armas y la sangre falsa en oposición a la sangre real. “Casi todo, incluso los detalles que uno podría dar por descontado, se trabajaron concienzudamente durante varios meses”, continúa diciendo Watts. “Cuando estábamos de acuerdo en que algo funcionaba, los detalles se publicaban en una especie de “guía de estilo” que se distribuía a los vendedores de la película. Teníamos diez vendedores de efectos visuales en cuatro países, así que una de las cuestiones que había que cuidar era la continuidad del estilo”.
El departamento de efectos visuales también colaboró con el cámara Larry Fong. “Está claro que la novela gráfica influyó en la apariencia de la película, pero ése fue sólo uno de mis desafíos”, dice. “Mi objetivo era llevar al máximo el ambiente y el drama, pero también tenía que tener contento al departamento de VFX con mates limpios y un buen detalle de fotografía para permitir la aglomeración más tarde en cualquier momento”.
Haciendo la fotografía para la película, Fong tuvo que decidir cómo interpretar el libro de Frank Miller en tres dimensiones. “Traducir eso por medio de la iluminación y la composición era a veces complicado, pero muy divertido”, describe. “Había veces que buscábamos una correspondencia muy cercana a algunos fotogramas específicos del libro, que Zack llamó “los fotogramas de Frank”. Pero, obviamente, no todas las tomas de la película se corresponden con un dibujo, así que tuvimos que experimentar y desarrollar un estilo visual propio. Muy a menudo decía que era una cosa visceral más que un ejercicio técnico”.
El diseñador de vestuario Michael Wilkinson también quería ser fiel a la naturaleza gráfica de los dibujos de Miller. Para crear el vestuario de la película mantuvo “la fuerza de las líneas, las siluetas bien definidas y las pesadas telas colgantes de la novela gráfica, y utilicé tejidos con una gran textura, que quedan muy bien en la pantalla y dan sensación de vida”, expone Wilkinson.
Wilkinson y su equipo recorrieron el mundo para encontrar la inspiración y los tejidos que dieran vida a los diseños. El lino de las capas espartanas lo encontraron en Rusia, y se eligió por su bella textura y el dinamismo con el que se movía en las escenas de acción. Luego, el tejido fue sometido a pruebas intensivas con varios tintes hasta que se consiguió el rojo espartano exacto. Después, el equipo expuso las capas a un proceso de desgaste para simular el uso y las roturas propias de las batallas. “Nos fijamos en el libro y descubrimos que hacia el final de la novela, Frank había dibujado las capas blanqueadas y hechas trizas”, recuerda. “Por ello, desgastamos nuestras capas vertiendo lejía, tinte y pintura sobre ellas para que pareciera que habían sido usadas en una lucha encarnizada”.
Sus decisiones también ayudaron a ilustrar el efecto psicológico que las batallas han tenido en los espartanos. “Sus espíritus están rotos y agotados por las heridas que reciben en las diferentes batallas”, admite. “Así que el aspecto gastado de las ropas es también una metáfora de la vida de los personajes, que se desangra”.
Para diferenciar entre los ejércitos espartano y persa, los primeros vestían con tonos tierra ricos y cálidos, mientras el ejército persa brilla con sus colores verdosos y sus exóticos verdes, azules y púrpura con oro. Wilkinson explica: “Los trajes de los guerreros griegos acentúan sus físicos muy esculpidos, como si sus cuerpos fuesen sus armaduras; en cambio, el ejército persa está cubierto de ropas exóticas, y las siluetas se exageran para dar la impresión, a ojos de los griegos, de que se aproxima un monstruo misterioso y desconocido”.
El vestuario del ejército persa se inspiró en varias fuentes. “Imaginamos que cuando Jerjes partió de su tierra hacia Grecia, ya había entrado en contacto con muchas culturas diferentes”, dice Wilkinson. “Por eso, para cada una de las diferentes tribus persas utilizamos diferentes influencias, desde África a Egipto, Rusia, Armenia, Japón, China y todos los países incluidos en esa franja”.
La elaborada vestimenta de Jerjes, compuesta casi por completo por metal en lugar de tejido, está basada en el fotograma de Miller procendente del libro. “El dibujo que hizo Frank de Jerjes es una de mis imágenes favoritas de la novela gráfica”, dice el diseñador de vestuario. “Me encantó su audacia, y fue inspirado por la preferencia de Frank por el impacto visual por encima de la autenticidad histórica”.
El vestuario que diseñó Wilkinson para Jerjes es, de lejos, el más complejo de la película. “El traje consiste en dieciocho piezas de joyería diferentes, cada una de las cuales usa montones de cuentas y motivos de adorno de África y Oriente Medio, más doce piercings que creamos especialmente para el personaje”.
Usando como materiales pieles pesadas, piezas de bronce, plumas, pelo de caballo, fibra de vidrio y resinas plásticas, Wilkinson y su equipo de sesenta modistos crearon las armaduras, adornos y cascos para vestir a los espartanos y a los persas. Muchas de las prendas tuvieron que ser fabricadas más de una vez. Por ejemplo, había cinco capas espartanas para cada uno de los actores principales y diecisiete duplicados de los cascos de plumas característicos que lleva el rey Leónidas.
La apariencia de los personajes, tanto los humanos como todos los demás, también recayó en el equipo de efectos de maquillaje, encabezado por Shaun Smith y Mark Rappaport. Fueron responsables de diseñar la imagen de Efialtes, los Inmortales, el Verdugo y diversos personajes de la tienda de Jerjes, al igual que el lobo al que se enfrenta el joven Leónidas e incluso algunos caballos. También se encargaron de fabricar el dramático “Muro de los Muertos”, que los espartanos construyeron empleando los cuerpos de los persas vencidos. Los equipos de maquillaje y efectos utilizaron una plataforma con máquinas hidráulicas para permitir a los espartanos convertir el muro en un arma eficaz. El equipo de maquillaje también tuvo la responsabilidad de crear personajes que no aparecen en la obra de Miller.
Sin embargo, Snyder, los productores y todos los que participaron en la producción deseaban fervientemente permanecer fieles a la visión expresada en el trabajo de Miller. Nunnari declara: “Trabajando todos juntos, nos convertimos en una parte de este fantástico equipo y disfrutamos del proceso de hacer esta película en todos los niveles”.
Canton se muestra de acuerdo: “Desde el comienzo de los storyboards a partir del libro de Frank hasta el rodaje de la película y la post-producción, 300 ha sido un viaje tremendamente emocionante para todos nosotros”.
CÓMO SE HIZO "300"
Notas de producción © 2006 Warner Bros. Pictures
3. La transformación
La parte principal del reparto se sumergió en una investigación sobre la historia y la cultura de Esparta con el fin de prepararse intelectualmente para sus papeles. Sin embargo, Snyder también quería que encajaran los unos con los otros como la máquina de guerra que es la guardia espartana. Con el objetivo de prepararlos físicamente para los rigores de las exigentes escenas de lucha, Snyder recurrió a la profesionalidad de dos personas con las que ha trabajado a lo largo de los años: Mark Twight, un escalador profesional ex-recordman mundial que prepararía a los actores y a los especialistas para ponerse en forma físicamente, y al veterano coordinador de especialistas Damon Caro, que sería el asesor en las escenas de lucha. Twight, con unos antecedentes que incluyen haber preparado a personal militar de operaciones especiales, luchadores de lucha libre, bomberos, profesionales médicos y escaladores, ideó un plan que incluía una estricta dieta combinada con un régimen agotador de ejercicio físico. “Yo lo comparo a un sprint: poca duración y una intensidad muy alta, acompañado de un programa nutricional adecuado para soportar ese esfuerzo”, expone Twight.
Por un espacio de ocho semanas antes del comienzo de la producción, Twight retó a los actores a ir más allá de sus límites normales. Como complemento a la preparación en la lucha, el entrenamiento dio especial importancia a las disciplinas atléticas con una combinación de movimientos compuestos, levantamiento y lanzamiento. En lugar de máquinas, se usaron objetos primitivos, como balones medicinales, kettlebells y anillas. Cada sesión se organizó como una competición, con un sistema de premios-castigos según las actuaciones y los resultados de cada uno, que después se mostraba en un papel cada día para que todos lo vieran. “Compartiendo ese duro entrenamiento durante un período de tiempo, con un juego de equipos en el que unos compiten contra otros, se consigue una fuerza de combate creíble en la pantalla. Este sistema cambia la forma de moverse y de comportarse como una unidad”, admite Twight.
Algunos de los actores tuvieron que perder peso, y otros tuvieron que ganarlo, así que a cada uno se le impuso una dieta específica. Fassbender fue uno de los afortunados. “Tuve la suerte de no tener que reducir mi dieta a requesón y uvas”, dice, “ya que mi personaje requería que ganara algunos kilos”.
Vincent Regan sufrió quizás la transformación más asombrosa: “Mark me envió un DVD para entrenarme y pensé: ‘No puedo hacer eso, simplemente no puedo’”. Sin embargo, con la ayuda de un preparador, en seguida estuvo corriendo por empinadas colinas y practicando boxeo, entre otras actividades. Tener a todos sus compañeros entrenándose junto a él ayudó considerablemente. “Al estar todos los actores juntos en ello, parecía que intentábamos conseguir algún objetivo”, recuerda Regan.
Con un grupo de diez actores, junto con especialistas de Los Ángeles, Vancouver, Toronto y Montreal, Damon Caro y el coordinador auxiliar Chad Stahelski comenzaron un sistema paralelo, coordinado con las sesiones físicas de Twight. “Fue una ayuda tremenda para prevenir lesiones, ganar resistencia y conseguir el objetivo global”, dice Caro. “Con la coreografía de la lucha, tienes un tiempo limitado para el ejercicio físico porque a veces no se puede combinar con la aplicación funcional específica. Lo que Mark aportó al proyecto fue fuerza práctica, no sólo bíceps esculpidos o abdominales marcadas”.
Caro y Stahelski diseñaron la coreografía de las impresionantes escenas de lucha con espada y de formación. Jeffrey Silver advierte que la intención de Snyder era que las escenas de lucha tuvieran un estilo distintivo. “Cuando Zack habló al principio sobre el concepto de las escenas de lucha, dijo: ‘Mirad, no quiero rodar escenas alborotadas y caóticas. Quiero que parezca ballet’. Su deseo era cada movimiento de las escenas de lucha tuviera una cuidadosa coreografía que incluyese elementos de las artes marciales”.
De acuerdo con la visión del director, Caro, experto en artes marciales, pudo integrar movimientos de varias disciplinas de artes marciales en su coreografía de lucha.
La atención al detalle de Caro y Stahelski facilitó a los actores conseguir el objetivo deseado: “Damon y Chad tienen un talento increíble”, dice Butler. “Todos aprendimos y mejoramos juntos hasta que nos convertimos en una unidad impenetrable. Las escenas de acción de la película te dejan sin aliento, y en gran medida eso se debe a ellos dos”.
“Básicamente, empezaron a entrenarnos desde cero”, añade David Wenham. “Nos enseñaron a luchar y nos entrenaban todos los días. No fue sólo una cuestión de aprender movimientos; se convirtió en algo instintivo”.
Fueron ocho semanas de entrenamiento en la lucha anteriores a la producción, y la preparación continuó después durante el rodaje en los días en que cada escena tenía que filmarse. El entrenamiento y el ensayo constantes merecieron la pena: “Cuando comenzamos la acción en serio, los chicos lo hicieron de forma brillante”, afirma Caro. “Hay muchas escenas de lucha que incluyen una coreografía compleja, y tras todas esas semanas de trabajo y entrenamiento juntos, había una especie de comunicación telepática entre los actores y los especialistas”.
De hecho, el compromiso total tanto de los preparadores como de los actores tuvo como resultado que las escenas de acción fueran las que se rodaron de forma más eficiente. “Pensamos que las escenas de lucha tardarían más tiempo en rodarse, pero cada movimiento se ejecutó de un modo tan intencionado y tan preciso que fueron los días que terminamos antes”, atestigua Silver.
CÓMO SE HIZO "300"
Notas de producción © 2006 Warner Bros. Pictures
2. La historia de "300"
Gerard Butler fue informado del proyecto durante una reunión con ejecutivos de Warner Bros. “Dijeron la palabra “300” y supe que había algo nuevo y diferente en ello”, recuerda. Añade: “Cuando me reuní con Zack Snyder, noté que era una persona que entiende lo que tú no puedes explicar de la historia y lo que ésta requería. Podría escribir seis libros sobre él y su talento, su inteligencia, su pasión y su bondad como persona”. Jeffrey Silver advierte que Butler tiene cualidades que le convertían en el hombre perfecto para el papel del rey espartano: “Su carisma como persona y su capacidad de liderazgo establecieron un tono de camaradería entre los actores. Cohesionó a su grupo de actores espartanos”. A Butler le encantó la posibilidad de sumergirse en una investigación sobre esta formidable cultura: “Durante toda su vida, lo único que se le muestra a los espartanos es el dolor, para imprimirles resistencia, para que no teman nada y no tengan piedad con el enemigo”, dice. “Todo ello requiere una gran dureza y fortaleza de carácter, desde la manera en que los hombres son preparados hasta la forma en que las mujeres deben entregar a sus hijos en nombre de la guerra”.
El guionista Kurt Johnstad añade: “Hay una competición feroz. Este código de honor, deber y lealtad está grabado a fuego en ellos, y eso se refleja en lo que hacen cada día. Se nota en cómo respiran, en cómo actúan e interactúan”.
Leónidas, un temido y reverenciado rey militar de la ciudad-estado griega de Esparta, gobierna con el consejo y el apoyo de su reina, Gorgo. “Gorgo es, según se dice, brillante”, aclara Miller. “Ella y Leónidas se protegen mutuamente y ella contribuye en gran medida al pensamiento estratégico de él. Hay un gran poso de emoción y afinidad intelectual entre ellos. Las mujeres espartanas son tan guerreras como los hombres. Los hombres son enviados al frente en primer lugar, pero en la película se puede ver que las mujeres también juegan duro”.
Nacida en el áspero paisaje del norte de Inglaterra, Lena Headey poseía una fuerza y un encanto innatos que resultaron esenciales para el papel de Gorgo. “Lena es dura, fuerte y práctica. Además, es guapa y sus ojos desprenden inteligencia”, dice Butler. “Lena aportó a Gorgo un carisma, una inteligencia y una pasión increíbles”.
Headey, que definió la película como “una historia de honor, valentía, pasión, sangre y fe”, estaba preparada para dar vida a la reina espartana. Gorgo no es una figura excesivamente importante en la historia de Miller, por lo que Headey tuvo la libertad de moldear el personaje, orientada por sus conversaciones con Snyder. “Ella tiene un carácter realmente fuerte en la película, debido a todo lo que tiene que pasar, y está preparada para el sacrificio”, puntualiza Headey. “Ha perdido a su marido, pero no puede resignarse, así que lucha, con todo su corazón, en el campo de batalla político. Veo a Gorgo como el corazón y el instinto de Esparta, y el instinto nos guía generalmente hacia la decisión correcta”.
Todo lo que Leónidas es, como rey y como hombre, se pone en evidencia cuando un mensajero llega a la ciudad con la advertencia de que un ejército de mil naciones conquistadas marcha, en ese mismo momento, hacia Esparta. Jerjes, interpretado por Rodrigo Santoro, ha hecho doblar la rodilla a todo el mundo antiguo gracias, sobre todo, a la pura audacia. “Es rico, arrogante y un megalómano muy inestable”, así lo describe el actor brasileño que interpreta al autoproclamado Rey-Dios. “Quiere conquistar el mundo. Su ambición no conoce límites. Quiere la gloria y la victoria; quiere, en definitiva, la fama eterna. Tras esas aspiraciones, sin embargo, es débil y muy inseguro”.
La primera vez que habló con el director, Santoro acudió como un espartano en potencia, pero, cuando se fue, “Dije: ‘Creo que Rodrigo podría ser Jerjes’”, recuerda Snyder.
Jerjes, una figura imponente y enigmática cubierta de joyas exóticas, es transportado sobre un trono sagrado por esclavos en cuclillas. “Tiene una voz suave y seductora y todo lo que un Rey-Dios debe tener”, dice Bernie Goldmann. “Sabes que la gente le seguiría… que podría seducir al igual que conquistar”.
Leónidas enseña a los persas lo que piensa de su amenaza matando literalmente a los mensajeros. Sin embargo, los políticos de Esparta no quieren luchar. Theron, interpretado por Dominic West, representa un nuevo tipo de espartano, más interesado en negociar por el poder que en luchar por la libertad. “Theron es en realidad el villano, y su maldad se manifiesta en primer lugar por ser un traidor que apacigua a los persas”, dice West. “Es político, no soldado. Siempre es bueno interpretar al malvado; generalmente, tienen los mejores papeles”, dice el actor sonriendo.
El Consejo de Esparta envía a Leónidas a consultar al Oráculo, una joven acorralada por los Éforos, unos ancianos que interpretaban sus signos. “Leónidas, a través de un salto gigantesco de la imaginación, entiende exactamente lo que los persas está tramando y sabe cómo detenerlos”, dice Frank Miller. “Pero todos los pronósticos están contra él. El Consejo no quiere luchar por su propio interés, así que usan la celebración de la Luna, la Carneia, como una excusa para no ir a la guerra”.
Leónidas moriría luchando antes que arrodillarse ante cualquier conquistador, pero si tiene que encargarse de Jerjes, deberá ser sin el respaldo del ejército espartano. “Leónidas es probablemente el personaje más resuelto que jamás he interpretado, pero cuando tiene un momento de indecisión, cuando necesita asegurarse de que hace lo correcto, siempre mira hacia su mujer”, dice Butler. “Y ella le explica de una forma muy elocuente por qué tiene que ir a la guerra, de esta forma: ‘Ve y muere. Nunca más te veré, pero lo harás como un hombre libre. No contestes a esta pregunta como un rey o como un ciudadano espartano, sino como un hombre libre’. Ésa es la verdadera esencia de una espartana”.
Aunque no esté en las Puertas de Fuego con Leónidas, la reina Gorgo debe asímismo encarar una batalla en su propio hogar. El sacrificio de Gorgo por Esparta y su futuro rey, su hijo, es la igual al de Leónidas. “Gorgo es tan guerrera como lo puede ser Leónidas. Debe reunir a su ciudad y a su país en ayuda de su rey”, afirma Johnstad, “mientras hace frente a las maniobras políticas de Theron”.
Deborah Snyder añade: “Ella da todo lo que tiene, pero, en su opinión, no es nada comparado a lo que hay en juego. No significa nada porque es mucho lo que se decide”. Las palabras de Gorgo supusieron el desafío perfecto para un guerrero espartano. “A su nación se le ha pedido que haga lo único que no aceptará, que es someterse a otro gobernante”, declara Butler. “Hay un momento para alejarse y resistir, y otro para entrar en acción. Leónidas entiende como nadie la relevancia de su cometido. No es sólo una misión para salvar Esparta: es el momento para mostrar, no sólo a Jerjes, sino al mundo entero y a las futuras generaciones, de qué pasta está hecho un espartano”.
Una guardia personal de voluntarios, formada por trescientos de los más hábiles y valientes guerreros espartanos, se agrupan alrededor de Leónidas. Él no puede declarar la guerra, pero puede dar un susto a Jerjes. Cuando Esparta decide luchar, no hay vuelta atrás. “Los pronósticos son muy adversos, pero perfectos para un rey espartano”, declara Butler. “Así que lleva a su cuerpo de élite a las Termópilas para oponer resistencia”.
Dilios, guerrero espartano y narrador de la novela gráfica, es interpretado por David Wenham, un actor australiano cuya popularidad creció de forma sorprendente en Estados Unidos cuando se presentó a los espectadores en la trilogía de “El señor de los Anillos”.
Para Snyder, el personaje de Dilios resolvió el puzzle de cómo trasladar a la película la excepcional voz de Miller como narrador. “Decidimos usar un narrador para contar la historia, lo que permite que el mundo fantástico de Frank cobre vida”, declara Snyder. “Fue importante a la hora de introducir la historia de Dilios en la película. Es genial contar con este narrador que puede llevar a la pantalla la prosa de Frank”.
“Me encanta contar historias, así que la oportunidad de ser el narrador es un verdadero regalo”, comenta Wenham. “Dilios pasa mucho tiempo entreteniendo a las tropas en los períodos de inactividad, contando historias sobre los primeros Juegos Olímpicos u otros relatos. Probablemente sea uno de los mejores amigos de Leónidas, y un gran guerrero muy respetado entre los hombres”.
La película muestra a Dilios como un guía: su versión de los hechos se convierte así en la narración que pasará de generación en generación. “Dilios es un hombre que sabe cómo no estropear una buena historia diciendo necesariamente la verdad”, dice Snyder. “Va a agrandar lo que hace falta que sea más grande, y va a hacer lo que sea para motivar y emocionar a los espartanos. Su voz proporciona el flujo poético de la película”.
El trío principal que conduce a los trescientos espartanos lo forman Leónidas, Dilios y un enigmático guerrero llamado El Capitán, interpretado por Vincent Regan. “El Capitán es probablemente uno de los personajes más apasionados de los trescientos espartanos, junto con Leónidas”, dice Regan. “Históricamente, habría sido uno de los tres capitanes de los escoltas del rey”.
El Capitán se lleva consigo a la batalla a su hijo mayor, Astinos, interpretado por Tom Wisdom. “De alguna forma, El Capitán hace un gran sacrificio al llevar a su hijo mayor con él a la expedición porque se trata de una misión suicida”, afirma Regan. “Después de todo, sólo son trescientos espartanos contra un millón de soldados del imperio persa. Pero él es extremadamente fiel a su rey y su ciudad, y está dispuesto a sacrificar todo lo que tiene, su propia vida y la de su hijo, por el ideal de libertad de su ciudad y de su rey, que es también un buen amigo”.
El papel de Astinos supone el debut de Wisdom en un largometraje, un detalle que podría haber jugado a su favor: “Supongo que una de las razones por las que fui escogido es que comparto algunas características con Astinos, que es un principiante en la guerra”, dice.
Astinos y otro soldado, Stelios, interpretado por Michael Fassbender, representan el entusiasmo de los jóvenes guerreros espartanos: “Stelios es muy espontáneo y apasionado”, dice Fassbender. “Piensa que ésta es su oportunidad de probarse a sí mismo en el campo de batalla y tener la muerte gloriosa que anhela para cumplir su destino como guerrero espartano”.
En el ejército de Jerjes, los espartanos han encontrado por fin un enemigo a su altura. Jerjes ha dado vida a una fuerza exótica y extraordinaria en la que se mezclan hombres raros, fuerza bruta, animales salvajes africanos, expertos en magia y su guardia de élite, que recibe el nombre de Los Inmortales. “Los Inmortales son su fuerza especial”, dice Santoro. “Son guerreros enmascarados muy hábiles, espeluznantes y de fiera apariencia. Son sus mejores hombres”.
“Leónidas es lo contrario de Jerjes, que se sienta en su alta torre, soborna, seduce y mata a sus hombres para conseguir la victoria”, destaca Butler. “Hay un diálogo maravilloso en el guión en el que Jerjes dice: ‘¿Cómo osas enfrentarte a mí cuando yo mataría gustosamente a cualquiera de mis hombres para conseguir la victoria? Y Leónidas responde: ‘Y yo moriría por cualquiera de los míos’. Para mí, ésta es la esencia de Leónidas”.
El plan de Leónidas es usar la agreste orografía de Grecia contra los persas, conduciendo a sus trescientos a las Puertas de Fuego de las Termópilas, un estrecho pasillo entre dos imponentes rocas en los acantilados del Adriático, que los persas tendrán que atravesar. Esta estructura natural proporciona a los trescientos espartanos una ventaja estratégica que les hace mucha falta. Pero no es inexpugnable, como Leónidas aprende de boca de un espectador circunstancial terriblemente deformado, Efialtes, que le descubre un camino de cabras oculto tras las rocas. Efialtes, interpretado por Andrew Tiernan, es descrito por Deborah Snyder como “un personaje triste. Fue un marginado en Esparta desde que nació, y aun así desea con todas sus fuerzas ser espartano”.
En cuanto el horizonte se oscurece con la impresionante visión de las fuerzas de Jerjes, comienza la batalla. “La historia de los trescientos espartanos es mucho más que una batalla”, dice Miller. “Leónidas sabe que estos trescientos hombres no pueden vencer al ejército persa. 300 es una historia sobre luchar sabiendo que no puedes ganar. El hecho en sí mismo es más poderoso que la suma de las flechas de los trescientos guerreros. Esta gente, estos hombres en las Puertas de Fuego, están preparados para morir. De hecho, Leónidas intenta que mueran. Sabe que no tienen ninguna oportunidad de sobrevivir. Pero tampoco le preocupa, pues sabe que algo se logrará. Considero a los espartanos como los vencedores de las Puertas de Fuego. Puedes vencer siendo derrotado”.
CÓMO SE HIZO "300"
Notas de producción © 2006 Warner Bros. Pictures
1. Origen del proyecto
Misteriosos. Feroces. Extraordinarios. Los espartanos pertenecen a una de las culturas más enigmáticas de la historia. Entrenados para no retirarse ni rendirse jamás, son los guerreros perfectos. “Los espartanos siguen siendo un misterio para todos”, dice Frank Miller, autor de 300, la novela gráfica que inspiró la película. “Podría decirse que son excepcionales porque son una cultura eminentemente bélica, dedicada por entero a la guerra. Poseen un código de honor de lo que significa ser espartano, y de él surge una clase heroica como jamás se ha visto antes en todo el mundo”. El co-guionista y director Zack Snyder añade: “Los espartanos viven para la batalla. La adoran”, dice. “Pelean como uno sólo, creando una falange en la que el escudo de cada soldado protege al hombre que hay a su lado. Es una visión impresionante e intimidatoria, incluso para los ejércitos persas. Aunque los espartanos tienen muy pocas probabilidades de éxito debido a su inferioridad numérica, un verdadero guerrero espartano siempre está dispuesto a morir por la libertad; creen que es una “muerte maravillosa”. Se definen a sí mismos por el sacrificio y la libertad”.
Frank Miller oyó hablar por primera vez de los espartanos cuando vio la película “El león de Esparta” en su infancia. Recuerda: “Me causó una honda impresión y me inspiró porque enseñaba que los héroes no son necesariamente los que consiguen una medalla al final de la historia, sino que son personas que hacen lo correcto por el simple hecho de que es lo correcto, incluso si acometen el sacrificio final para conseguirlo. Durante toda mi vida he querido contar esta historia porque es la mejor que jamás he oído. Y, al fin, conseguí la destreza de dibujar cómics, tanto que pensé que al final podría encargarme de ello”.
Para ilustrar 300, Miller sintetizó su concienzuda investigación, la cual le llevó hasta los mismos acantilados de las Termópilas, con el estilo característico que imprimió a trabajos gráficos tan legendarios como “Sin City” y “El regreso del señor de la noche”. Redujo el uniforme de los espartanos (cuyo peso, junto con el de las armas, equivalía aproximadamente a la mitad de su propio cuerpo) a sus elementos más esenciales y simbólicos y condimentó el relato de la histórica batalla del año 480 a.C. con elementos de enfrentamientos anteriores y posteriores entre Jerjes y los griegos.
“Frank cogió un hecho real y lo convirtió en mitología, lo contrario de partir de un hecho mitológico para transformarlo en realidad”, dice Snyder, que combinó la osada visión de Miller con la suya propia para hacer el largometraje. “Esto es lo estimulante. Él quería encontrar la esencia, lo opuesto a la realidad, de lo que es un espartano. Si vas a las Termópilas, la estatua de Leónidas está desnuda; tiene un escudo, una lanza y un casco y eso es todo. Frank fue a las Termópilas y estoy seguro de que la vio y dijo: ‘Vale, así es cómo lo tenemos que hacer’”.
Moverse a través de la maleza de las Termópilas dejó una huella profunda en Miller. “Es un lugar donde ocurrieron cosas grandes y gloriosas”, describe. “Hablamos del crisol, del epicentro de la batalla para llegar a todo lo que tenemos ahora, a lo que es la civilización occidental. Hay una razón por la que somos tan libres, y en gran parte se debe a la historia de trescientos jóvenes que defendieron un paso muy estrecho el tiempo suficiente como para inspirar al resto de Grecia”.
300 se convirtió en un éxito de ventas y dio a Miller numerosos premios de la industria el cómic. “La historia se vendió por sí sola”, comenta. “Sólo trabajé lo mejor que pude para hacer justicia a un gran momento de la historia. Fue muy importante pulir la apariencia de los personajes para hacerlos más dinámicos y para borrar la impresión de que es una historia antigua. No es una historia vieja, es una historia eterna”.
El libro consiguió una legión de seguidores, entre ellos el co-guionista y director y los productores del largometraje. “Lo más hermoso del libro de Frank, y en general de cualquiera de sus trabajos, es la prosa que acompaña a sus dibujos”, advierte Snyder. “No es sólo una ilustración, sino que también hay poesía en ello. Para mí, la manera en la que estructura la prosa es tan importante como los dibujos. Quería idear una manera de preservar y honrar su prosa, junto con sus imágenes, en la película”.
Hace cinco años, el productor Gianni Nunnari y Snyder hablaban de futuros proyectos de colaboración cuando Snyder se fijó en una copia de la novela gráfica que Nunnari tenía en su mesa. Nunnari defendió en solitario el proyecto durante varios años. Llegó a convencer al productor Mark Canton de que colaborase con él y desarrollase en serio el proyecto con Snyder como director y co-guionista.
“300 es un trabajo increíble y a Zack le encantaba el material cuando llegó a este proyecto”, dice Canton entusiasmado. “También aportó una visión tan extraordinaria de lo que podría llegar a ser la película que quedamos tremendamente emocionados con respecto a sus posibilidades”.
Nunnari añade: “El mismo material le abrió la imaginación. Vio claros todos los ingredientes, desde la visualización de las escenas de lucha hasta los propios personajes. Sabíamos que lo que quería era hacer una película creativa”.
“La perseverancia de Gianni y la dedicación de Mark al proyecto me convencieron”, recuerda Miller. “Primero Gianni y luego Mark estaban tan decididos y tan seguros de la historia que me llevaron a su terreno. Zack quería hacer esta película con toda su alma. Es una persona encantadora y estaba tan involucrado en este proyecto que era muy difícil decir no… así que no lo hice”.
Snyder comprobó que el proceso que siguió al concebir el largometraje fue similar al que Miller había desarrollado. Quería prescindir de los preceptos del cine realista y, en su lugar, encontrar una forma de “darle vida (a la obra) en la pantalla”, explica. “No quería hacer una película que pareciese una fotografía; más bien al contrario, pretendía introducirme en el mundo que Frank creó en su novela gráfica. Esto no es un drama histórico, ni una historia lineal. Ni siquiera pretende ser completamente fiel desde el punto de vista histórico. Nuestro objetivo era crear una verdadera experiencia distinta a cualquiera que se haya visto antes”.
El núcleo principal de los realizadores se fusionó alrededor de 300 desde el mismo momento en que el proyecto cristalizó. Los productores Canton, Nunnari y Bernie Goldmann quedaron cautivados por la historia. “Zack fue muy específico sobre cómo quería que esta película pareciera y se sintiera”, comenta Goldmann, “y conforme el proyecto empezó a materializarse, sentimos una gran satisfacción al ver Zack le estaba dando forma a esta historia de un modo que el espectador no había visto antes”.
Entretanto, Snyder hizo su debut en la dirección con “Dawn of the Dead” e inmediatamente después volvió al proyecto. Trabajó en la adaptación de la novela con el también guionista Kurt Johnstad, y ambos aportaron a la historia ciertos elementos que brotaron de manera natural debido a la lucidez de la visión original de Miller (Michael B. Gordon había escrito un borrador previo del guión). El productor Jeffrey Silver se unió al equipo para trabajar estrechamente con la producción material y los efectos visuales de la producción.
“Desde el comienzo, todos los que participaron en esta película, desde la gente del estudio hasta los productores, productores ejecutivos, el reparto y el equipo de producción, apoyaron de manera increíble lo que yo quería hacer con 300”, dice Snyder. “Todos comprendieron tan bien la visión y fueron tan estupendos como colaboradores que ha sido una experiencia realmente extraordinaria”.
La decisión de Snyder de adaptar la novela gráfica tuvo implicaciones novedosas para la apariencia de la película. “El desarrollo del aspecto visual de la película fue una parte importante del proceso”, continúa Snyder. “Uno va al cine para vivir experiencias diferentes. Eso es lo que intentamos conseguir con 300. Cada fotograma de la película es como un efecto visual, ya se trate de paisajes como de batallas, escenas de acción o arquitectura,”.
Al principio, el propio Snyder hizo el storyboard de la película, y, en última instancia, él y su compañera de producción y esposa, la productora ejecutiva Deborah Snyder, en colaboración con el productor asociado Wesley Coller, idearon juntos un plan de desarrollo que expresara la visión que el director tenía de la película.
La presencia de Frank Miller, que también fue productor ejecutivo de la película, pudo haberse considerado intimidatoria para el director, pero Goldmann responde: “Frank fue muy agradable y útil. Cada vez que Zack necesitaba su contribución o su aprobación, decía: ‘Sigue así, es genial. Me encanta lo que estás haciendo’. Adoptó la película y a toda la gente relacionada con ella”.
Se realizó una serie de pruebas de cada uno de los aspectos de la película, desde la iluminación y el vestuario a la textura de los decorados. Uno de los elementos que los realizadores querían explorar era el aspecto fotográfico de la película. Snyder pensó manipular el equilibrio de colores para crear un proceso que, en última instancia, recibió el nombre de “aglomeración”. “Zack ideó una receta en la que aplastas la parte oscura de la imagen y aumentas la saturación de color para cambiar la proporción de contraste de la película”, explica Jeffrey Silver. “Cada imagen de la película pasó por un proceso de retocado. La aglomeración es lo que le da a esta película una apariencia y un tacto únicos”.
“No quiero que nadie diga: ‘Eso parece Grecia o lo otro Canadá’, explica Snyder. “Quiero que se adentren, de principio a fin, en esta experiencia”.
“Todos sentimos un respeto reverencial por el alcance de lo que Zack quería hacer con este proceso de efectos de múltiples capas”, añade Canton.
“La evolución de lo que se rodó, desde el decorado hasta el producto final, lleva esta historia a otro terreno”, dice Nunnari. Gerard Butler, que interpreta al rey Leónidas, declara: “Es como si alguien que estuvo allí y presenció la batalla se fuese a dormir y lo soñara todo otra vez porque todo es muy figurativo… muchos elementos forman parte de la imaginación, lo que nos permite llevarlo mucho más lejos. Es una historia increíble que ha servido de inspiración a mucha gente a lo largo de la historia, pero no es un documental. Es una historia fantástica llena de pasión, política, brutalidad y muchas más cosas que existen en este mundo hiperreal, hermoso y emotivo”.
Dirección: Zack Snyder.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 117 min.
Género: Acción, drama.
Interpretación: Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), David Wenham (Dilios), Dominic West (Theron), Vincent Regan (capitán), Michael Fassbender (Stelios), Tom Wisdom (Astinos), Andrew Pleavin (Daxos), Andrew Tiernan (Ephialtes), Rodrigo Santoro (Jerjes), Giovanni Antonio Cimmino (Pleistarchos).
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley.
Producción: Gianni Nunnari, Mark Canton, Bernie Goldmann y Jeffrey Silver.
Música: Tyler Bates.
Fotografía: Larry Fong.
Montaje: William Hoy.
Diseño de producción: James Bissell.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 9 Marzo 2007.
Estreno en España: 23 Marzo 2007.
SINOPSIS
Basada en la épica novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley, "300" narra la antigua batalla de las Termópilas, en la que el rey Leónidas (Gerard Butler), al frente de 300 espartanos, luchó a muerte contra el emperador Jerjes (Rodrigo Santoro) y su gran ejército persa. Haciendo frente a insuperables adversidades, el valor y sacrificio de estos hombres, inspiraron a toda Grecia para unirse contra el enemigo persa, fundando los cimientos para la democracia.
VER CRITICA
Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck.
País: Alemania.
Año: 2006.
Duración: 144 min.
Género: Drama.
Interpretación: Martina Gedeck (Christina-Maria Sieland), Ulrich Mühe (capitán Gerd Wiesler), Sebastian Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (teniente coronel Anton Grubitz), Thomas Thieme (ministro Bruno Hempf), Hans-Uwe Bauer (Paul Hauser), Volkmar Kleinert (Albert Jerska), Matthias Brenner (Karl Wallner), Herbert Knaup (Gregor Hessenstein).
Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann.
Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha.
Fotografía: Hagen Bogdanski.
Montaje: Patricia Rommel.
Dirección artística: Silke Buhr.
Vestuario: Gabriele Binder.
Estreno en Alemania: 23 Marzo 2006.
Estreno en España: 16 Febrero 2007.
SINOPSIS
El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) es un oficial extremadamente competente de la Stasi, la todopoderosa policía secreta del régimen comunista de la antigua República Democrática Alemana. Pero, cuando en 1984 le encomiendan que espíe a la pareja formada por el prestigioso escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck), no sabe hasta qué punto esa misión va a influir en su propia vida.
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 140 min.
Género: Drama bélico.
Interpretación: Ken Watanabe (general Tadamichi Kuribayashi), Kazunari Ninomiya (Saigo), Tsuyoshi Ihara (barón Nishi), Ryo Kase (Shimizu), Shidou Nakamura (teniente Ito), Nae (Hanako), Hiroshi Watanabe (teniente Fujita), Takumi Bando (capitán Tanida), Yuki Matsuzaki (Nozaki).
Guión: Iris Yamashita y Paul Haggis; basado en el libro "Picture letters from commander in chief" de Tadamichi Kuribayashi.
Producción: Clint Eastwood, Steven Spielberg y Robert Lorenz.
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach.
Diseño de producción: Henry Bumstead y James J. Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.
Estreno en USA: 12 Enero 2007.
Estreno en España: 16 Febrero 2007.
VER CRITICA
SINOPSIS
Hace sesenta y un años, los ejércitos norteamericano y japonés se vieron las caras en Iwo Jima. Décadas después, varios cientos de cartas son desenterradas del suelo de esa inhóspita isla. Las cartas ponen cara y voz a los hombres que allí lucharon, así como al extraordinario general que los dirigió. Los soldados japoneses son enviados a Iwo Jima sabiendo que, con toda probabilidad, ya no regresarán. Al mando de la defensa se encuentra el general Tadamichi Kuribayashi (Ken Watanabe), cuyos viajes a Norteamérica le han revelado la naturaleza inútil de la guerra, pero también le han proporcionado un conocimiento estratégico sobre cómo hacer frente a la imponente armada de guerra norteamericana que se aproxima por el Pacífico. Sin más defensa que la pura voluntad y las rocas volcánicas de la propia isla, la táctica sin precedentes del general Kuribayashi transformó lo que se preveía como una derrota rápida y sangrienta, en casi 40 días de combate heroico e ingenioso. Cerca de 7.000 soldados americanos murieron en Iwo Jima; más de 20.000 efectivos del bando japonés lo hicieron allí también. Las arenas negras de Iwo Jima se tiñeron de su sangre, pero sus sacrificios, sus esfuerzos, su coraje y su compasión perviven en las cartas que enviaron a casa.
Dirección: Koldo Serra.
Países: España, Francia y Reino Unido.
Año: 2006.
Duración: 93 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Gary Oldman (Paul), Virginie Ledoyen (Lucy), Paddy Considine (Norman), Aitana Sánchez-Gijón (Isabel), Lluís Homar (Paco), Yaiza Esteve (Nerea), Andrés Gertrudix (Antonio), Jon Ariño (Lechón), Cándido Uranga (Miguel), Álex Angulo (José Andrés), Patxi Bisquert (José Luis).
Guión: Jon Sagalá y Koldo Serra.
Producción: Julio Fernández e Iker Monfort.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Unax Mendía.
Montaje: Javier Ruiz Caldera.
Dirección artística: Juanjo Gracia y Mario Suances.
Vestuario: Josune Lasa.
Estreno en España: 16 Febrero 2007
VER CRITICA
SINOPSIS
Finales de los 70. Un matrimonio inglés (Paddy Considine y Virginie Ledoyen) viaja a España durante el verano más caluroso de los últimos años. Lo que parecen unas idílicas vacaciones para tratar de resolver sus problemas junto a una pareja de amigos (Gary Oldman y Aitana Sánchez-Gijón), degenera en una espiral de violencia provocada por el choque cultural y la propia incomunicación.
Las historias de superación y lucha contra la adversidad han tratado de inspirar a la humanidad desde sus mismos inicios, pero me da la impresión de que, con la creación del cine y la televisión, dejaron de ser importantes herramientas didácticas, para convertirse en simple entretenimiento manipulador de emociones. Sin embargo, ocasionalmente surge alguna obra que evita caer en ese fácil nicho, ofreciendo sólida narrativa sin empalagosos excesos y casi redimiendo a su barato género. "En busca de la felicidad" es una de esas raras obras y, aunque dista mucho de ser perfecta, al menos merece aplauso por su sobrio manejo de emociones y por el eficiente trabajo de sus actores.
La historia se desarrolla en la ciudad de San Francisco a principios de los ochentas, donde conocemos a Chris Gardner (Will Smith), promotor independiente de equipo médico que tiene constantes dificultades para vender los costosos y obsoletos aparatos en los que invirtió su dinero. Por ello, el sostén económico de la familia recae en su sufrida esposa Linda (Thandie Newton), quien rápidamente se cansa de la situación y abandona a Chris y a su pequeño hijo Christopher (Jaden Smith). Entonces, viviendo prácticamente en la calle y sin prospectos de venta, Chris decide arriesgar todo en un brusco cambio de profesión que podría significar su salvación... o su ruina absoluta.
"En busca de la felicidad" está basada en hechos reales y, afortunadamente, el guión de Steven Conrad se siente honesto al no buscar excesivo "embellecimiento" hollywoodense ni riguroso énfasis en los clichés de este tipo de películas. En otras palabras, no hay drama artificial, villanos de caricatura o mágicos caprichos del escritor. Simplemente buenas actuaciones, situaciones creíbles y una historia que progresa de manera natural, logrando que el espectador comparta la evolución del protagonista, sus triunfos y fracasos.
El reducido elenco funciona a la perfección y, sin ser actores virtuosos, cada intérprete encaja bien en su papel, empezando con Will Smith, quien se aleja de su imagen de "estrella" para encarnar a un hombre común con talentos ocultos que las difíciles circunstancias logran despertar. Jaden Smith, hijo de Will Smith en la vida real, cumple decorosamente su función y no pasa vergüenzas con su natural desempeño. Thandie Newton tiene el ingrato papel de la esposa incomprensiva; su material es bastante plano, pero lo entrega con convicción. Y el elenco secundario, compuesto por destacados actores de carácter (como el gran James Karen y el eterno caradura Kurt Fuller), presta realismo a los diversos ambientes que el protagonista recorre.
Quizás pudo ser más ágil y breve, pero "En busca de la felicidad" logra entretener e inspirar sin manipular (excesivamente) nuestras emociones. El director italiano Gabriele Muccino logró encontrar el tono preciso para crear drama sincero, y aunque tal vez la película no trasciende su simple intención, al menos será una buena experiencia para quien tolere aún este tipo de cine.
Dirección: Gabriele Muccino.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 117 min.
Género: Drama.
Interpretación: Will Smith (Chris Gardner), Thandie Newton (Linda), Jaden Christopher Syre Smith (Christopher).
Guión: Steven Conrad.
Producción: Todd Black, Jason Blumenthal, Steve Tisch y James Lassiter.
Música: Andrea Guerra.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Montaje: Hughes Winborne.
Diseño de producción: J. Michael Riva.
Vestuario: Sharen Davis.
Estreno en USA: 15 Diciembre 2006.
Estreno en España: 2 Febrero 2007.
SINOPSIS
Chris Gardner (Will Smith) es un padre de familia que lucha por sobrevivir. A pesar de sus valientes intentos para mantener a la familia a flote, la madre (Thandie Newton) de su hijo de cinco años Christopher (Jaden Christopher Syre Smith), comienza a derrumbarse a causa de la tensión constante de la presión económica; incapaz de soportarlo, en contra de sus sentimientos, decide marcharse. Chris, convertido ahora en padre soltero, tenazmente continúa buscando un trabajo mejor pagado empleando todas las tácticas comerciales que conoce. Consigue unas prácticas en una prestigiosa compañía y, a pesar de no percibir ningún salario, acepta con la esperanza de finalizar el plan de estudios con un trabajo y un futuro prometedor. Sin colchón económico alguno, pronto echan a Chris y a su hijo del piso en el que viven, y se ven obligados a vivir en centros de acogida, estaciones de autobús, cuartos de baño o allá donde encuentren refugio para pasar la noche. A pesar de sus preocupaciones, Chris continúa cumpliendo sus obligaciones como padre y se muestra cariñoso y comprensivo, empleando el afecto y la confianza que su hijo ha depositado en él como incentivo para superar los obstáculos a los que se enfrenta.
Imágenes, sinopsis y notas de cómo se hizo "En busca de la felicidad" - Copyright © 2006 Columbia Pictures, Relativity Media, Overbrook Entertainment y Escape Artists Productions. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.
Dirección: Jim Sonzero.
País: USA.
Año: 2006.
Duración: 90 min.
Género: Thriller sobrenatural, terror.
Interpretación: Kristen Bell (Mattie), Ian Somerhalder (Dexter), Jonathan Tucker (Josh), Christina Milian (Isabell Fuentes), Rick Gonzalez (Stone), Samm Levine (Tim Steinberg), Ron Rifkin (Dr. Waterson), Kel O'Neill (Douglas).
Guión: Wes Craven y Ray Wright; basado en la película "Kairo" (2001) de Kiyoshi Kurosawa.
Producción: Anant Singh, Brian Cox, Michael Leahy y Joel Soisson.
Música: Elia Cmiral.
Fotografía: Mark Plummer.
Montaje: Bob Mori, Robert K. Lambert y Kirk Morri.
Diseño de producción: Gary Matteson.
Vestuario: Irene Bilo.
Estreno en USA: 11 Agosto 2006.
Estreno en España: 2 Febrero 2007.
SINOPSIS
Un grupo de adolescentes investiga una serie de suicidios relacionados con una webcam que ofrece a todo aquel que se conecte a ella la posibilidad de interactuar con los muertos. ¿Qué pasaría si las tecnologías inalámbricas se conectaran a otro mundo? ¿Y si ese otro mundo utilizara la tecnología para colarse en el nuestro? ¿Y si la conexión no pudiera interrumpirse? Podrían meterse en nuestro mundo cada vez que encendiéramos el móvil o nos conectáramos al e-mail. Podrían contaminar todos nuestros aparatos y podrían llevarse lo que ellos ya no tienen: la vida.
Imágenes, sinopsis y notas de cómo se hizo "Pulse (Conexión)" - Copyright © 2006 Dimension Films, Distant Horizon, Neo Art & Logic. Distribuida en España por DeAPlaneta. Todos los derechos reservados.
Dirección: Paul Verhoeven. | |
SINOPSIS
Tras la ejecución de su familia a manos de los nazis, una joven judía (Carice van Houten) se une a la resistencia que lucha contra la ocupación en Holanda. Su misión será infiltrarse en el cuartel general nazi, seduciendo a un alto oficial alemán para obtener información y poder liberar a un grupo de combatientes que han sido capturados. | |
Dirección y guión:
Países: Reino Unido, Francia y USA.
Año: 2006.
Duración: 109 min.
Género: Acción, thriller, comedia.
Interpretación: Ben Affleck (Jack Dupree), Andy Garcia (Stanley Locke), Alicia Keys (Georgia Sykes), Jeremy Piven (Buddy 'Ases' Israel), Ray Liotta (agente Carruthers), Ryan Reynolds (agente Messner), Peter Berg ('Pistrol' Pete Deeks), Taraji Henson (Sharice Watters), Chris Pine (Darwin Tremor), Martin Henderson (Hollis Elmore), Joseph Ruskin (Primo Sparazza).
Producción: Tim Bevan y Eric Fellner.
Música: Clint Mansell.
Fotografía: Mauro Fiore.
Montaje: Robert Frazen.
Diseño de producción: Martin Whist.
Vestuario: Mary Zophres.
Estreno en Reino Unido: 12 Enero 2007.
Estreno en España: 2 Febrero 2007.
SINOPSIS
El jefe mafioso Primo Sparazza (Joseph Ruskin) ofrece una generosa recompensa a quien liquide a Buddy ‘Ases’ Israel (Jeremy Piven), un mago de tres al cuarto que va a testificar contra la mafia de Las Vegas. El FBI ve la oportunidad de usar al embaucador para atrapar a Sparazza y ofrece protección a 'Ases' al que custodiarán dos agentes (Ryan Reynolds y Ray Liotta) en su refugio de Lake Tahoe. Cuando la comunidad de malhechores se entera del precio de la cabeza de ‘Ases’, una multitud de cazadores de recompensas, matones, bellas y sensuales sirenas traidoras y mafiosos salen de caza. Con los ojos puestos en Lake Tahoe, un puñado de matones compite para ver quién llegará primero a la suite del ático del Casino Nomad, donde esperan llevarse el primer premio y liquidar a 'Ases'.
Estrenos. Críticas y noticias cinematográficas.
Noticias: Noticias
